Ephemera: Revista do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal de Ouro Preto

Expediente

2026-02-03T08:12:05-03:00

Apresentação do dossiê

2026-02-03T08:16:30-03:00

Apresentação do dossiê "O corpo coletivo do riso".

Presentation of the special issue

2026-02-03T08:16:09-03:00

Presentation of the special issue "The collective body of laughter".

Dance a letra

2026-02-03T08:16:41-03:00

Este artigo apresenta uma reflexão fundamentada na prática artística como pesquisa, tendo como objeto a proposta coreográfica Dance a Letra, que investiga a relação entre gesto, letra de música e humor. A partir da perspectiva dos escritos de artista, o autor sistematiza procedimentos criativos desenvolvidos ao longo de uma trajetória marcada pela interseção entre dança e humor, com ênfase na produção de sentido por meio do atrito entre texto musical, gesto e composição coreográfica. Articulam-se referências conceituais como o Terceiro Sentido de Roland Barthes, o Pré-Movimento de Hubert Godard e a Teoria da Incoerência do humor. Os resultados do processo são observados na construção de uma linguagem coreográfica que aborda a literalidade gestual para instaurar camadas de subtexto críticas e políticas. O trabalho corrobora o riso como estratégia e discurso e reafirma a dança como campo de pensamento e invenção.

Dance the lyrics

2026-02-03T08:16:24-03:00

This article offers a reflection grounded in artistic practice as research, focusing on the choreographic proposal Dance a letra (Dance the lyrics), which investigates the relationship between gesture, song lyrics, and humor. From the perspective of artist writings, the author systematizes creative procedures developed over a trajectory marked by the intersection of dance and humor, with an emphasis on meaning-making through the friction among musical text, gesture, and choreographic composition. Conceptual references such as Roland Barthes’s Third Meaning, Hubert Godard’s Pre-Movement, and the Theory of Incoherence in humor are brought into dialogue. The results of the process can be observed in the construction of a choreographic language that employs gestural literalness to generate critical and political layers of subtext. The work reinforces laughter as both strategy and discourse and reaffirms dance as a field of thought and invention.

A política do riso no 2º Sol Rindo - Festival de palhaçaria de Balneário Camboriú

2026-02-03T08:16:45-03:00

Esta entrevista foi realizada pela pesquisadora teatral argentina Lorena Maria Lopes, no contexto de sua pesquisa de doutorado intercultural vinculada ao Programa MOVE LA America (CAPES, Brasil). A referida entrevista integra um conjunto de investigações conduzidas com mulheres brasileiras atuantes na palhaçaria e nas artes cênicas. O primeiro campo empírico da pesquisa foi o 2º Sol Rindo - Festival de Palhaçaria de Balneário Camboriú, ocorrido entre 5 e 8 de abril de 2025, promovido pela Companhia As Mareadas, em parceria com Beatriz Costa Alvarez e a Cia Ler e Viver. O festival contou com financiamento da Política Nacional Aldir Blanc (PNAB), além de apoio de instituições privadas. A entrevista selecionada para esta edição da Revista Ephemera, cujo dossiê temático é “O Corpo Coletivo do Riso,” foi realizada com as produtoras do festival, Monique Neves e Bruna Pierami, que são atrizes, palhaças e ativistas feministas. O artigo contextualiza a trajetória do festival e o crescimento da palhaçaria feita por mulheres no Brasil, destacando redes como a Rede Catarina de Palhaças e produções acadêmicas e editoriais voltadas ao tema. A entrevista foi realizada em ambiente íntimo, pautada por uma ética feminista do cuidado e transcrita integralmente. A pesquisa de Lorena Maria Lopes concentra-se na visibilidade lésbica, compreendida como um campo de militância política inscrito na cena teatral de Balneário Camboriú, onde se destaca a atuação do coletivo de mulheres casadas e lésbicas denominado As Mareadas.

The politics of laughter at the 2nd Sol Rindo, a clowning festival at Balneário Camboriú

2026-02-03T08:16:17-03:00

The Argentine theatre researcher Lorena Maria Lopes in the context of her intercultural PhD research linked to the MOVE LA America Program (CAPES, Brazil) conducted this interview. It is part of a broader set of investigations carried out with Brazilian women working in clowning and performing arts. The first empirical field of the research was the 2nd Sol Rindo – Festival de Palhaçaria de Balneário Camboriú, held from April 5 to 8, 2025, organized by Cia As Mareadas in partnership with Beatriz Costa Alvarez and Cia Ler e Viver. This clowning festival received funding from the National Aldir Blanc Policy (PNAB), in addition to support from private institutions. The interview selected for this issue of Revista Ephemera, whose thematic dossier is “The collective body of laughter,” was conducted with the festival’s producers, Monique Neves and Bruna Pierami, who are actresses, clowns, and feminist activists. The article contextualizes the trajectory of the festival and the growth of clowning performed by women in Brazil, highlighting networks such as the Rede Catarina de Palhaças and academic and editorial productions focused on the theme. The interview was conducted in an intimate setting, guided by a feminist ethics of care, and was fully transcribed. Lorena Maria Lopes’s research focuses on lesbian visibility, understood as a field of political militancy inscribed in the theatrical scene of Balneário Camboriú, where the work of the collective of married lesbian women known as As Mareadas stands out.

A ética do cômico em King Kong Fran

2026-02-03T08:17:01-03:00

A pesquisa consiste no estudo do texto dramatúrgico King Kong Fran, de Rafaela Azevedo e Pedro Brício. O texto, originado do espetáculo em cartaz no circuito teatral do Rio de Janeiro e São Paulo desde o final de 2022, articula elementos do circo e da palhaçaria para posicionar-se frente a práticas sociais e artísticas misóginas. Considerando os recursos acionados na construção da obra, meu objetivo consiste em identificar quais são as estratégias de comicidade e humor empregadas e refletir sobre o modo como tais escolhas estéticas se articulam com um discurso político no que concerne ao enfrentamento das estruturas e práticas misóginas que incidem sobre as mulheres. Para tanto, me amparo no embasamento teórico fornecido pelos estudos sobre comicidade (Bakhtin, 1999; Bergson, 1980; Arêas, 1990, entre outras), bem como nas pesquisas que vinculam a discussão sobre comicidade e humor com a crítica feminista (Acevedo, 2018; Avilano, 2021; Espinosa-Vera, 2010, entre outras). Observo que, por meio da estratégia do espelhamento e da troca de papéis de gênero, a partir de recursos como a ironia, a paródia e o exagero, o texto se posiciona politicamente como denúncia das práticas sexistas que marcaram historicamente as produções artísticas, especialmente no âmbito do circo e da palhaçaria, e a vida social das mulheres. Considero que o corpus artístico em estudo assume caráter anfíbio (Santiago, 2004) ao articular estética e política de forma ambivalente, de modo que converge com o que chamo de uma ética do cômico dado que propõe transformação social por meio do riso.

The ethics of the comic in King Kong Fran

2026-02-03T08:16:19-03:00

This research focuses on the study of the dramaturgical text King Kong Fran (2023) by Rafaela Azevedo and Pedro Brício. The text, which originated from the show that is currently running in the theatrical circuits of Rio de Janeiro and São Paulo since late 2022, incorporates elements of circus and clowning to take a stand against social and artistic misogynistic practices. Considering the resources used in the construction of the work, I aim to identify the strategies of comedy and humor employed and to reflect on how these aesthetic choices are articulated with a political discourse concerning the confrontation of misogynistic structures and practices that affect women. To this end, I rely on the theoretical foundation provided by studies on comedy (Bakhtin, 1999; Bergson, 1980; Arêas, 1990, among others), as well as research that links the discussion of comedy and humor with feminist criticism (Acevedo, 2018; Avilano, 2021; Espinosa-Vera, 2010, among others). I observed that, via the strategies of mirroring and gender role reversal, using resources such as irony, parody, and exaggeration, the text is politically positioned as a denounce of the sexist practices that have historically marked artistic productions, especially in the contexts of circus and clowning, and the social life of women. I consider that the artistic corpus under study assumes an amphibious character (Santiago, 2004) by articulating aesthetics and politics in an ambivalent manner, aligning with what I call an ethics of the comic, as it proposes social transformation via laughter.

A função social da lógica do absurdo na comédia

2026-02-03T08:16:44-03:00

Os paralelos entre os argumentos apresentados em “O Riso” de Bergson e os recursos estéticos apresentados quatro anos antes em Ubu Rei, de seu ex-aluno Jarry, são notáveis. Este artigo analisa tais aproximações para indicar a função social do cômico. São analisados os recursos estéticos usados na comédia, como a artificialidade, a impessoalidade, a generalidade, o exagero, a repetição, a fixação e a mecanização, para isentar de peso existencial certos aspectos sociais que necessitam correção, possibilitando assim uma reflexão moral indireta. São analisadas também as influências do modo de operação de brincadeiras infantis, como marionetes, boneco de molas e bola de neve, no modo de apresentação dos acontecimentos na dramaturgia cômica a fim de propiciar o reconhecimento das inadequações de comportamento e de caráter de modo leve e palatável. O argumento central é de que o riso tem uma função social, crítica e corretiva e é disparado por um modo de operação intelectual absurdo, apartado da razão e próximo da imaginação e do sonho, que se mostra fundamental para elaboração de importantes questões que a sociedade se empenha em negar.

The social function of the logic of the absurd in comedy

2026-02-03T08:16:21-03:00

The parallels between the arguments in Bergson’s “Laughter” and the aesthetic resources (presented four years earlier in Ubu Roi) by his former student Jarry are remarkable. This study analyzes these similarities to point out the social function of the comic. It looks at aesthetic resources such as artificiality, impersonality, generality, exaggeration, repetition, fixation, and mechanization to list certain social aspects that require correction of their existential weight, thus enabling indirect moral reflection. The influences of children’s games, such as puppets, spring puppets and snowballs, on the way events are presented in comic dramaturgy are also analyzed to encourage the acknowledgement of inadequacies in behavior and character in a light and palatable way. The central argument states that laughter has a social, critical and corrective function that is triggered by an absurd intellectual mode of operation separated from reason and close to imagination and dreaming, which proves to be fundamental for the elaboration of important issues society strives to deny.

Memórias de uma palhaça que ousou rir

2026-02-03T08:16:34-03:00

Este artigo autobiográfico analisa a trajetória de uma palhaça-mãe-pesquisadora, mergulhando nos desafios interseccionais da palhaçaria feminina no Brasil. Através de três episódios marcantes - assédio durante uma intervenção (2006), agressão misógina vindo da plateia durante uma apresentação (2024) e comparações em duplas de palhaçaria (2025) - revela como o corpo cômico feminino negocia constantemente com estereótipos de gênero, maternidade e violência estrutural. Utilizando referências teóricas feministas (hooks, Iaconelli, Crenshaw) e dados sobre feminicídio (FBSP, 2023), demonstra que a palhaçaria, território historicamente masculino, impõe às mulheres uma dupla jornada: a exigência artística e a cobrança social. A narrativa expõe desde a objetificação do corpo em cena até a solidão da maternidade artística, passando pela invisibilização acadêmica de pesquisadoras-mães. O estudo destaca a resistência pelo riso como ato político, propondo uma releitura do grotesco feminino como ferramenta de desestabilização do patriarcado. Por fim, celebra a potência transformadora da palhaçaria como linguagem de insurgência, capaz de revelar as assimetrias de gênero que persistem mesmo sob o nariz vermelho.

Memoirs of a clown who dared to laugh

2026-02-03T08:16:05-03:00

This autobiographical article examines the journey of a clown–mother–researcher, addressing intersectional challenges in Brazilian female clowning. Through three key episodes—harassment during performance (2006), misogynistic audience aggression (2024), and comparisons in mixed-gender duos (2025)— it reveals how the female comic body negotiates gender stereotypes, motherhood, and structural violence. Diving into feminist theories (hooks, Iaconelli, Crenshaw) and femicide data (FBSP, 2023), the study demonstrates that clowning, traditionally a male-dominated field, imposes on women a double burden: artistic excellence and social policing. The narrative exposes issues ranging from onstage objectification to the isolation of artistic motherhood and the academic invisibility of researcher–mothers. It frames laughter as political resistance, proposing a feminist reinterpretation of the grotesque as a tool to destabilize patriarchy. The analysis particularly highlights the paradox of the red nose—symbol of freedom yet insufficient protection against gender violence; the “spectral masculinity” of absent fathers in maternal narratives; and the embodied cost of triple shifts (artist-researcher-mother). Ultimately, it celebrates clowning as a language of insurgency that exposes gender asymmetries persisting even beneath the comic disguise.

Palhaçaria na educação

2026-02-03T08:16:56-03:00

Neste artigo, compartilho minhas reflexões como professor-palhaço sobre o riso e a alegria na escola. Abordando a palhaçaria enquanto possibilidade de formação de professoras e professores, pensaremos sobre a concepção de uma figura docente que, ao exercitar as práticas e filosofias das palhaçarias, pode se permitir a rir de si e com as estudantes, em busca de um engajamento coletivo para que o riso e a alegria permeiem os processos educativos. Por fim, sustentamos que as práticas das palhaçarias são um caminho para o exercício do riso como forma de subversão e da alegria como força de luta, movimentando assim as estruturas educacionais tradicionais e coloniais.

Clowning in education

2026-02-03T08:16:33-03:00

In this article, I share my reflections on laughter and joy at school as a clown teacher. By approaching clown artistry as a possibility for training teachers, we will think about the concept of a teaching figure who, by exercising the practices and philosophies of clowning, can allow themselves to laugh at themselves and with the students, in search of a collective engagement so that laughter and joy permeate educational processes. Finally, we argue that clowning practices are a way of exercising laughter as a form of subversion and joy as strength in struggle, thus shaking up traditional and colonial educational structures.

Comicidade aprisionada

2026-02-03T08:16:36-03:00

O objetivo deste texto é entrelaçar a produção de conhecimento, advinda de experiências estéticas nas artes cênicas, por meio do corpo em performances do tempo espiralar (Martins, 2021) e seus arquivos (Rabetti, 2000), com o fomento de uma educação antirracista na educação básica, analisando a fenomenologia do cômico e as aprendizagens provenientes de diferentes contextos sociais e culturais que buscam combater o racismo. Para isso, apresenta-se um relato empírico, reflexivo e teórico do autor-docente em relação aos seus fazeres e saberes no universo das artes cênicas, tendo como foco a comicidade, o riso e a figura do palhaço, consonante aos conteúdos voltados ao processo de ensino e aprendizagem do teatro na escola pública, com atenção à lei 10.639/2003, que exige o ensino da história e cultura afro-brasileira em sala de aula (Brasil, 2003).

Imprisoned comicality

2026-02-03T08:16:22-03:00

This text aims to intertwine the production of knowledge arising from aesthetic experiences in the performing arts, through the body in performances of spiral time (Martins, 2021) and their archives (Rabetti, 2000), with the promotion of anti-racist education in basic education. It analyzes the phenomenology of the comic and learning processes from various social and cultural contexts that seek to combat racism. To this end, the study presents an empirical, reflective, and theoretical account by the author-teacher concerning his practices and forms of knowledge within the universe of the performing arts, focusing on the comicality, laughter, and the figure of the clown. This discussion aligns with contents related to the teaching and learning process of theater in public schools, with particular attention to Law No. 10,639/2003, which mandates the teaching of Afro-Brazilian history and culture in the classroom (Brasil, 2003).

Nariz de palhaça

2026-02-03T08:16:53-03:00

O presente artigo propõe uma reflexão coletiva sobre o documentário “Achei o meu nariz” que relata a jornada pelo universo da palhaçaria feminina, apresentando as trajetórias, dificuldades e conquistas das palhaças dos Grupos “As Marias da Graça”, “Casa 407” e da “Palhaça Catha Vento”. Nesta análise são discutidos, sob a lente das Performances Culturais, a construção da figura das palhaças e os aspectos correlatos entre a forma como elas contam suas próprias histórias e a linguagem narrativa do cinema documentário. O objetivo é encontrar uma abordagem que estabeleça um diálogo comum entre as pesquisas dos três observadores, criando uma conexão entre diferentes camadas de análise sob um mesmo produto cultural.

Clown nose

2026-02-03T08:16:32-03:00

This article proposes a collective reflection on the documentary “Achei o meu nariz” (I’ve found my nose), which tells the story of a journey through the world of female clowning, presenting the trajectories, difficulties and achievements of the clowns from the groups “As Marias da Graça”, “Casa 407” and “Palhaça Catha Vento”. This analysis discusses, from the perspective of Cultural Performances, the construction of the figure of the women clowns and the related aspects between the way they tell their own stories and the narrative language of documentary cinema. The goal is to find an approach that establishes a common dialogue between the research of the three observers, creating a connection between different layers of analysis under the same cultural product.

A arte do Riso

2026-02-03T08:16:37-03:00

O palhaço é uma figura multifacetada que atravessa diferentes contextos históricos e culturais, atualizando-se conforme as demandas sociais. Sua essência, marcada pela fragilidade, pelo erro e pela subversão, revela uma potência criativa que transforma vulnerabilidade em força cênica. Mais do que provocar riso, a palhaçaria evidencia contradições humanas e desafia normas estabelecidas. Ao habitar o presente com autenticidade, o palhaço questiona ideais de perfeição e o culto à felicidade. Como destaca Achcar (2016), o palhaço nos lembra que o sofrimento pode ser também potência transformadora, recuperando a alegria como força vital. Dessa forma, a palhaçaria se afirma não apenas como linguagem artística de comicidade, mas como espaço de resistência e reflexão crítica sobre a condição humana.

The art of laughter

2026-02-03T08:16:11-03:00

The clown is a multifaceted figure that traverses different historical and cultural contexts, constantly updating itself according to social demands. Its essence, marked by fragility, error, and subversion, reveals a creative power that transforms vulnerability into scenic strength. More than provoking laughter, clowning exposes human contradictions and challenges established norms. By inhabiting the present with authenticity, the clown questions ideals of perfection and the cult of happiness. As Achcar (2016) points out, the clown reminds us that suffering can also be a transformative force, recovering joy as a vital energy. Thus, clowning affirms itself not only as an artistic language of comedy but also as a space of resistance and critical reflection on the human condition.

Os memes no teatro

2026-02-03T08:16:42-03:00

Este artigo explora o processo de transposição do meme para a cena a partir da análise de três obras teatrais: Roda Viva (2018), do Teatro Oficina; Sísifo (2019), de Gregório Duvivier e Vinícius Calderoni; e a cena curta La fama (2023), apresentada pelos autores do artigo - em conjunto com as atuantes da Cia de Sucesso. Busca-se compreender o que a apropriação desses itens digitais e suas diferentes abordagens miméticas na cena geram no entendimento do próprio teatro como modo de circulação de mentalidades sociais. A partir de estudos sobre riso e comicidade - em especial, as obras de Michael Billig (2005) e Bergson (2004) - destaca-se o caráter humorístico do meme para investigar modificações qualitativas em seus atributos cômicos (Shifman, 2014). Conclui-se que a mimetização teatral do meme não implica que a cena se torne um meme, e que, ainda que ela contribua com a replicação da referência com a qual se relaciona, ela propõe modificações de postura (stance) inéditas. O artigo é um dos resultados da pesquisa “Arquivo da Memória Intercultural das Artes da Cena no Brasil”, financiado pela FAPEMIG.

Memes in theater

2026-02-03T08:16:15-03:00

This article explores the process of transposing the internet meme to the theater based on the analysis of three theatrical works: Roda Viva (2018), by Teatro Oficina; Sísifo (2019), by Gregório Duvivier and Vinícius Calderoni; and the short scene La fama (2023), presented by the authors of the article - together with the actors of Cia de Sucesso. The aim is to understand what the appropriation of these digital items and their different mimetic approaches on stage generates in the understanding of theater itself as a way of circulating social mentalities. The humorous character of the meme is highlighted to suggest, based on studies on laughter and comedy - particularly the works of Michael Billig (2005) and Bergson (2004) - that there is a qualitative change in the attributes of the comic that explain the humorous nature of memes (Shifman, 2014, p. 79). It is concluded that the theatrical mimicry of the meme does not imply that the scene becomes a meme, and that, although it contributes to the replication of the reference to which it relates, it proposes unprecedented modifications of posture (stance). The article is one of the results of the research “Archive of the Intercultural Memory of the Performing Arts in Brazil”, financed by FAPEMIG.

Atuação psicofísica

2026-02-03T08:16:25-03:00

Esta resenha dedica-se à segunda parte do livro, Trabalho sobre si mesmo, de Phillip B. Zarrilli (2009) com prefácio de Eugenio Barba. Centrado na questão da dimensão psicofísica do trabalho de atuação, o trecho do livro escolhido para a resenha trata da importância da dimensão psíquica do ator e da habilidade de se trabalhar sobre si.

Psychophysical acting

2026-02-03T08:16:08-03:00

This review focuses on the second part of Phillip B. Zarrilli’s book Work on oneself (2009), with a preface by Eugenio Barba. Centered on the psychophysical dimension of acting, the selected section addresses the importance of the actor’s psychic dimension and the ability to work on oneself.

O silêncio que antecede a palavra

2026-02-03T08:16:18-03:00

qual a diferença de uma atuação cômica e não cômica? Qual o momento que define que a performance cômica vai ser um sucesso? Com essas inquietudes, foi proposta aos atores do Grupo de Teatro Celeiro das Antas um projeto de pesquisa que consistiu em investigar o instante, o momento que antecede a ação cênica, que passamos a chamar de “O Silêncio Que Antecede a Palavra”. O ponto de partida foi investigar se existe uma conduta que, uma vez adotada, favoreça o surgimento do riso no momento da execução de uma ação. E o grupo ficou cinco meses especulando e discutindo essas sutilezas. Este artigo tem o propósito de registrar os caminhos e o resultado dessa investigação.

The silence that precedes the word

2026-02-03T08:16:06-03:00

What’s the difference between comical and non-comical performance? What moment defines that a comic performance will be a success? With these concerns, it was proposed to the actors of the Celeiro de Antas Theater Group a research project that consisted of investigating the instant, the moment that precedes the scenic action, which we started to call “The Silence That Precedes the Word.” The starting point was to investigate whether there is a specific conduct that, once adopted, favors the emergence of laughter at the moment an action. And the group spent five months speculating and discussing these subtleties. This article aims to record the paths and results of this investigation.

Ensinar o que não se aprendeu

2026-02-03T08:16:14-03:00

Este artigo investiga a persistência da polivalência no trabalho dos professores de Arte, especialmente aqueles formados em Teatro, que acabam lecionando conteúdos de outras linguagens artísticas - como Artes Visuais, Música e Dança - nas escolas públicas de Minas Gerais. A pesquisa surgiu a partir da disciplina de Estágio em Teatro da UFMG e envolveu entrevistas com docentes, observações de práticas pedagógicas e análise dos Referenciais Curriculares estaduais. Os resultados apontam que, embora os documentos curriculares não exijam que o professor ensine linguagens fora de sua formação, há uma cultura escolar que perpetua essa prática. Cinco fatores principais explicam essa realidade: orientações da direção escolar, adaptabilidade dos conteúdos à estrutura física e cultural da escola, influência da forma escolar, alinhamento com o ENEM e uso do livro didático. Conclui-se que a polivalência não é uma exigência legal, mas sim uma construção histórica e institucional que desafia a autonomia docente e a qualidade do ensino de Arte. O estudo propõe uma reflexão sobre a formação acadêmico-profissional dos professores e a necessidade de concursos públicos coerentes com suas áreas de especialização, visando a garantir o direito dos estudantes ao acesso pleno às quatro linguagens artísticas.

Confessional, de Tennessee Williams

2026-02-03T08:16:59-03:00

Este artigo examina a peça em um ato Confessional, de Tennessee Williams, compreendendo-a como uma dramaturgia que problematiza as contradições sociais e culturais no período de inflexão histórica dos Estados Unidos entre os anos 1960 e 1970. Para tanto, adota-se uma análise dramatúrgica baseada no método dialético, que permite articular forma e conteúdo no exame de obras artísticas. A pesquisa parte do problema de como Williams reelabora a cena teatral em diálogo com a crise do American Dream, contrapõe essa perspectiva à leitura de que suas peças finais seriam apenas fragmentárias ou decadentes e busca alcançar uma síntese que situe a peça como expressão estética de um momento histórico marcado por transformações políticas e culturais. O objetivo é, assim, investigar de que modo os recursos estruturais da peça - o espaço do bar, os solilóquios confessionais, a fragmentação narrativa - podem ser compreendidos enquanto fenômenos sociais e históricos, desvelando contradições entre exclusão, memória e resistência. Como conclusão, o artigo demonstra que Confessional representa uma virada estética e política na trajetória de Tennessee Williams, ao transformar a margem social em espaço de pensamento crítico. A peça afirma o teatro como forma de resistência e de enfrentamento das contradições históricas do capitalismo.

Dançar além do tempo

2026-02-03T08:16:39-03:00

Parte da minha tese de doutorado e do pós-doutorado, e como homenagem a Mary Wigman, esse artigo-comentário considera sua visão da dança, aspectos dos seus processos criativos e exemplos, a partir do seu itinerário e legado artístico, combinando exegese e perspectiva pessoal. Num vínculo entre pensamento e cena, são destacados o uso de elementos teatrais bem como o da experiência e sensação no seu trabalho de composição coreográfica. Pontualmente, é também mencionada a relação com meu trabalho teórico e prático. Finalmente, ao discutir importantes contribuições técnicas e poéticas de Wigman para a atualidade, tal comentário mostra a abertura do modo de proceder e operar desta grande dançarina e artista alemã, criadora da chamada dança expressiva (e/ou expressionista).

Dança e capital cultural

2026-02-03T08:16:13-03:00

O artigo investiga as relações entre economia, políticas culturais e capital simbólico no campo da dança, tomando como eixo teórico a Doença dos Custos (Baumol) e o conceito de Capital Cultural (Bourdieu). Os sistemas de fomento e subsídio à produção artística são percebidos como instrumentos de enfrentamento da ineficiência estrutural das “indústrias estanques”, mas que também operam como mecanismos de legitimação e institucionalização de valores culturais. A análise apresentada pontua aspectos das políticas públicas segmentadas para a dança na cidade de São Paulo para examinar como afetam a produção e a reconversão dos diferentes tipos de capital envolvidos no campo artístico. E evidencia que, embora tais políticas contribuam para a mitigação dos efeitos econômicos da doença dos custos, elas frequentemente reproduzem circuitos de validação, demandando revisão das estratégias de fomento para que se orientem não apenas à manutenção da criação artística, mas à ampliação efetiva das dinâmicas de circulação e fruição cultural na sociedade.